EDITORIAL DE BIENVENIDA

¡Al fin nos tienes en tus manos! `En Movimiento´ se incorpora en este mes de abril al mercado de revistas especializadas sobre danza en la Región de Murcia. Junto a publicaciones ya existentes En Movimiento pretende acercar la danza a un público más extenso y darle un tratamiento informativo a este arte tal y como se merece.

Con la disciplina que requiere la danza se ha tratado este proyecto, que ahora sale a la luz, ayudando a tapar el vacío informativo que siempre hemos tenido los bailarines y los aficionados al ballet.
Ofreciendo un trato por igual a las especialidades de Clásico, Contemporáneo y Español pretendemos trasladar la importancia de cada una de ellas y la riqueza que se obtiene con su fusión de las tres. De la misma forma, queremos acercarte a los personajes pioneros en estas danzas que hicieron historia, teniendo la posibilidad de coleccionarlos y formar tu propia biblioteca.

Cada una de las secciones que encontrarás en nuestras páginas se han pensado teniendo en cuenta los intereses del lector, por ello estamos abiertos a tus comentarios, críticas y opiniones. Además de ponerte al día sobre la actualidad dancística de tu región y de las localidades cercanas, podrás saber sobre las nuevas creaciones que se ponen en marcha. Con los reportajes tendrás la posibilidad de profundizar en ballets o compañías y con la lectura de las tribunas conocerás la opinión de los expertos sobre temas diversos. Y.... ahora te dejamos que te sumerjas en la lectura de la revista y puedas descubrir por ti mismo otras secciones innovadoras.

Esperamos ganar vuestra confianza y poder forjar juntos una era de Movimiento en favor de la danza.

SUMARIO

La bailaora Merche Esmeralda visita Torres de Cotillas para impartir un curso de flamenco. Aprovechamos la ocasión para charlar con ella y conocerla más a fondo.

El Ballet Nacional de España comienza una nueva gira con el espectáculo “Sevilla-Madrid-Sevilla”. Cónoce este nuevo proyecto bajo la dirección de José Antonio.

Ponte al día de toda la actualidad en torno a la danza. Te adelantamos información sobre próximos cursos y eventos.

En ...Estuvimos allí te damos a conocer dos de los espectáculos más aplaudidos en la Cumbre Flamenca de la Cam.

MIRANDO HACIA DELANTE

Murcia se abre al mundo multidisciplinar junto al Centro Párraga. Esta vez con las jornadas universitarias que prepara para finales de abril intenta promover de nuevo la relación entre diferentes disciplinas
Podemos augurar con acierto una larga vida para el Centro Párraga, que desde el año 2003, de la mano de su directora Mara Mira, se puso en marcha para atender los intereses y necesidades de la sociedad en cuanto a la producción artística se refiere. Son muchos los murcianos o residentes en la ciudad, pero de otros países o ciudades de España, los que acuden a este recinto para mostrar sus creaciones.

La idea multidisciplinar de contagiar unas disciplinas de otras sólo tiene un futuro lleno de expectativas. Nada tiene de malo que la danza se contagie de la pintura, o el cine de la danza, o el teatro de la música,...son combinaciones de las que pueden surgir creaciones novedosas e interesantes. Se suman conocimientos y experiencias de distintas áreas pero con el mismo fin: la creación. Y no sólo desde la vertiente práctica realizando talleres, cursos o conciertos, sino también desde la teoría a través de conferencias o seminarios, y esto sólo lleva a enriquecerse.

Mediante los distintos eventos que promueve el Centro Párraga, donde puede participar cualquier persona interesada, se han realizado las más variopintas exposiciones, cursos y festivales. Tratando el cine, la música, el teatro, la pintura, la moda y lo que más nos incumbe, la danza, éste centro no ha hecho más que incentivar el deseo de innovar y de investigar en el arte. Estudiantes del Conservatorio Profesional de Danza, como los ya licenciados en Diseño y Moda de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Murcia así como los matriculados en diversas universidades han podido disfrutar de jornadas de encuentro e indagación en los quehaceres de otros oficios. Conocer lo nuestro y lo ajeno nos hace tener una formación completa.

Entrando de lleno en nuestro terreno decir que la danza sale beneficiada. Compañías de diversa índole, sobretodo contemporáneas y profesores expertos en la materia han protagonizado y serán los protagonistas de los festivales o actos previstos. Cada uno de ellos aportando su propio estilo y lenguaje para danzar.
Si se observa, no se puede dudar de un futuro para el arte mucho más reconocido e integrado en la sociedad. A través de la creación de centros de similares características, las generaciones venideras tendrán menos obstáculos para demostrar su habilidades o destrezas en los diferentes campos. Todo un porvenir lleno de posibilidades.

MERCHE ESMERALDA

Mercedes Rodríguez Gamero, de nombre artístico Merche Esmeralda, se crió respirando el ambiente andaluz de su ciudad natal, Sevilla. Entre el cariño de una familia humilde iba creciendo y apuntando maneras para el arte. Sin duda, sus raíces ayudaron a formarla como artista ya que su abuela era cantaora de saetas y sus tíos de flamenco. Pero ella rompió con el miedo escénico que sentían sus familiares lo que les impidió que debutaran sobre el escenario.

TODO TIENE UN PRINCIPIO

Merche aprendió a cantar saetas de la mano de su abuela, por la que siguió teniendo curiosidad por el cante. Quizás su rumbo artístico tomó otra dirección cuando su antecesora le dijo: “hija tienes muy buen gusto y muy buen oído, pero no tienes pecho”. “Con lo que quería decir que yo no tenía unos pulmones fuertes para poder cantar”, aclara Merche.

Quién descubrió el duende que asomaba en ella fue Adelita Domingo con quién empezó a bailar sevillanas y a cantar. Pero con humildad Merche reconoce haber sido “una niña normal y corriente. A mi lo que se me veía era mucha afición y algún cachito de carácter. En verdad no he sido una niña prodigio”. Adelita Domingo la llevó de la mano a las Galas Juveniles de Sevilla que se celebraban los domingos, donde empezó a ganar 12 duros para pagarse la escuela. “Ensayábamos todas las tardes después del colegio y el domingo a las 4 de la tarde era la función. En las galas yo no bailaba sola. La primera parte siempre era de una obra de teatro para niños, y en la segunda parte había uno o dos solos. Luego se daba paso a una zarzuela donde entrábamos nosotras a bailar. Eso me hizo tener tablas. Porque un escenario hace a una persona estar muy viva, muy despierta”.

"Yo no he sido una niña prodigio. Tenía mucha afición y carácter”

Tras sus primeros pinitos en las Galas Juveniles la bailaora recuerda con añoranza que “con 14 años me escogen en el ballet de Macarena del río. Después me voy a la base aérea de Rota y finalmente al famoso tablao sevillano El Guajiro. Al poco tiempo me llaman para suplir el sitio de Rocío Jurado en el tablao El Duende de Madrid. Allí realmente es cuando yo empiezo a trabajar”.

Tras ese año de desenfrenado movimiento Merche nos retrotrae con la energética luz que emana de su mirada al Festival Flamenco de Sevilla. La bailaora recuerda con ilusión aquel día en que su nombre “empieza a florecer” porque Antonio Mairena, inesperadamente, se subió junto a ella para cantar su baile. A partir de entonces fue reclamada para los más importantes acontecimientos de arte flamenco: Festival del Cantes de las Minas de la Unión, Festival de Mairena de Alcor, El Gazpacho de Morón, La Caracola de Lebrija, Festival de la Bulería de Jerez,... Alternando ya con los artistas más relevantes, entre ellos los bailaores Matilde Coral, Rafael El Negro, Trini España y Farruco.

Nunca dejando de aprender, amplió sus estudios con los más grandes maestros de las diversas danzas españolas, hasta obtener el título de profesora de danza. En 1979, creó su propia compañía con la que recorrió.Europa, recurriendo a bailaores como el Güito o Manolete. A su vuelta ingresó como primera bailarina en el Ballet Nacional de España, requerida por el gran Antonio, entonces director del mismo, protagonizando

El Amor Brujo y la parte flamenca del repertorio. Incansable, trabajó con el GIAD-Ballet Español de Madrid. Y tiempo después fue llamada para fundar y dirigir el Ballet de la Región de Murcia con Merche Esmeralda, destacando entre sus numerosas creaciones El Cielo Protector, obra de teatro-danza dirigida y protagonizada por ella misma, Joaquín Cortés y Antonio Márquez.
A lo largo de su carrera Merche Esmeralda ha obtenido un gran reconocimiento por su sabiduría en el baile flamenco. Obtuvo el Premio Nacional de Baile en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en 1986, recibió el Premio a la Popularidad, otorgado por el diario Pueblo en 1987 y ,entre otros, fue nombrada Dama de la Orden Jonda y Catedrática de Flamencología en Jerez de la Frontera.

HABLANDO DE DANZA

Ahora esta defensora de la escuela andaluza, se implica más en la docencia e intenta trasmitir sus conocimientos. En sus clases juega con la anatomía del bailarín, respetando su personalidad. Insiste en que “lo que hay que enseñar al alumno es la formación, su técnica, su limpieza, sus acentos, el cante, el sentido rítmico. Eso es lo que hay que enseñar. Una cabeza, una mano, la coordinación de la mano, brazo y pie. Esas cosas. Pero un estilo es intocable. El arte no es una fábrica. Son aptitudes”

Tantos años compartiendo el escenario y la docencia le han hecho diferenciar “entre tu ego y y el ego hacia los demás”. Con énfasis, explica que intenta proyectar la energía que ha vivido en sus actuaciones a sus alumnos. “Para mi es muy importante que el alumno pueda tener ese complemento de lo que es el escenario, por eso no pisar con tacón, callar, tener disciplina porque todo eso luego se va a llevar a vuestra vida profesional o de docente”

“ La técnica tiene que estar al servicio del arte”

En sus clases canta, baila, da consejos y busca que el alumno sienta el cante. “El baile sin el cante no es nada. Buscarle sentido, bailarle al cante es lo primero lo que hay que inculcarle a un alumno cuando quiere bailar flamenco”,admite la Sevillana. De la misma forma sumerge a sus alumnos en la historia del palo flamenco que se vaya a tratar. “Yo tengo la obligación de explicarte y que tú cojas el aliciente de ese baile. Que cuando estés bailando entre el cante y la burbuja de la música, sepas lo que eso representa. Es una forma de encauzar al alumno hacia lo que tiene que proyectar”

Sobretodo recalca que cuando se baila se han de buscar los sentimientos. Merche explica que “cuando bailas tienes que hacer cosas que sientas, lo que te salga y luego busca el camino para hacerlo bien, pero dime tus sentimientos. La técnica no es mas que un vehículo para llevar el arte, nada más. Una vez que salgas a bailar olvídate de la técnica, que para eso estas muchas horas en un estudio”.Admite que muchos “se creen que porque hagan clásico se les va a quitar el estilo del flamenco y no tiene nada que ver. Con el ballet, se coge un centro para el giro, se coge formación en los músculos y te hace tener mas elasticidad para potenciar más todos los movimientos”.

De momento Merche Esmeralda seguirá simultaneando la docencia con los escenarios, ya que todavía tiene “que seguir luchando” por este arte.

VUELVEN A SORPRENDERNOS

Visiones personales y abstractas del flamenco, el sabor añejo de la danza española y el mestizaje de los pueblos se presentan en `Sevilla-Madrid-Sevilla´. El nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de José Antonio, que ya ha comenzado su gira tras su estreno en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 15 de marzo.Recogiendo el trabajo de cuatro coreógrafos nombrados y experimentados en la danza surge éste nuevo proyecto llamado Sevilla-Madrid-Sevilla, haciendo referencia a los sentimientos del director por estas ciudades y a la procedencia de los coreógrafos invitados.

De la mano del bailaor sevillano Fernando Romero, director adjunto del ballet, surge Caprichos. Primera parte donde, sin argumento coreográfico, se presentan siete números de baile flamenco desde la perspectiva particular del bailaor. Acompañados con la música creada por Cañizares y Juan José Amador, se hace homenaje a tres guitarritas claves del flamenco como son Sabicas, Ramón Montoya y niño Ricardo.
Siguiendo con el espectáculo catalogado por el propio José Antonio como “un programa donde están presentes personas muy diferentes y que aportan lenguajes y conceptos flamencos equilibrados” se da paso a la segunda parte del mismo donde los responsables del Nuevo Ballet Español, intentan mantener viva la esencia del baile clásico español. Así, Ángel Rojas y Carlos Rodríguez, creando Dualia vuelven a trabajar con el que fue su padre artístico y maestro durante años.

Con vestuario e iluminación basado en las pinturas de Sorolla, Dualia pone de relieve la Danza Española. Recuperando la complicidad del baile sensual de pareja, el juego visual del elemento varonil por excelencia, la capa y la elegancia de las batas de cola. Sin olvidar, eso sí, las castañuelas esencia pura del baile español.
Mostrando la estética de su baile Antonio Canales, tras una breve pausa, presenta su sexta creación para el Ballet Nacional de España, Cambalache. Introduciendo al público en el mestizaje de los pueblos, ese intercambio de cultura que ha creado una forma de vida que es el flamenco.

Éstos tres trabajos en uno reconocidos por el director del ballet como “bien hechos y sentidos” recorrerán España y países del extranjero como Japón, México o Argentina. Sin duda alguna transmitiendo una cultura y una forma de ser particular, el Ballet Nacional de España creado en el año 1978 por el mítico bailaor y coreógrafo Antonio Gades, cautivará a los espectadores.

SEVILLA-MADRID-SEVILLA

Con SEVILLA-MADRID-SEVILLA, el Ballet Nacional de España, irrumpe en la primavera madrileña, como lo ha hecho en los tres últimos años en el Teatro de la Zarzuela, fiel a su cita con el público de la capital y del resto del país, teniendo la suerte, quien esto escribe de asistir al estreno.
A su vuelta como director del B.N.E. Jose Antonio, estrenó en el 2005 su ballet La Leyenda un homenaje muy personal a la mítica figura de Carmen Amaya, y en el 2006 también en el Teatro de la Zarzuela, El Café de Chinitas versión del autor sobre el ballet de los años treinta estremado por Los Ballets de Encarnación López; en ambos casos, las dos obras tenían un hilo argumental, música en directo y como soporte dos grandes escenografías.

Es ahora con SEVILLA-MADRID-SEVILLA, cuando Jose Antonio, encarga por primera vez en esta segunda etapa como director del B.N.E., las coreografías para el espectáculo a otros artistas. La primera parte se la encarga a Fernando Romero, bailarín y coreógrafo sevillano que estuvo trabajando con él, en la última etapa cuando estaba al frente de la Compañía Andaluza de Danza.Esta primera parte, recogevarios palos flamencos, que musicalmente están inspirados en composiciones de guitarristas ya desaparecidos (Niño Ricardo), que fueron muy importantes en la historia del flamenco; destacando la intervención en directo de Juan Manuel Cañizares.

La segunda parte, MADRID, es coreografiada por Carlos Rodríguez y Miguel Ángel Rojas, bailarines madrileños que formaron parte de la compañía `Jose Antonio y los Ballets Españoles´ fundada por él mismo en 1994, y que posteriormente crearon su propia compañía. Esta coreografía se la dedican a su maestro, y en ella se pueden apreciar con claridad, rasgos y formas que efectivamente les identifican como seguidores y discípulos de Jose Antonio.

Con música de José Nieto, que una vez más acierta de pleno en la composición, creando una partitura de gran colorido y brillantez que inspira a los coreógrafos que consiguen realizar una obra cuidada al máximo en todos los detalles, impactante, y según las críticas lo más destacado y aplaudido de toda la noche.

La tercera parte `SEVILLA´corresponde a la creación del bailarín y coreógrafo sevillano Antonio Canales, que se formó y creció como artista en el B.N.E. y posteriormente fundó su propia compañía. La última vez que estuvo actuando en el B.N.E., fue en la etapa en la que Aída Gómez era directora, y para quien hizo una obra basada en la historia de la pintora mexicana, Frida Kalho, bailando con ella en esa ocasión.

En el estreno que hoy nos ocupa Canales coreografía varios palos flamencos, donde destaca una farruca en pareja y además intercala su habitual `Solea ´ bailada por él mismo. Es esta tercera parte precisamente la menos aplaudida y la menos elogiada por la crítica.
Para finalizar destacaría la oportunidad que en esta ocasión Jose Antonio ha dado tanto a Fernando Romero como a Carlos Rodríguez y Miguel Ángel Rojas que por primera vez han podido coreografiar para el Ballet Nacional de España.

PERSONAJES CON HISTORIA.

Pioneros Anericanos: primera generación

ISADORA DUNCAN

Su nombre era Ángela Duncan Grey, pero adquirió el nombre de Isadora Duncan. Nació el 27 de mayo del año 1878 en San Francisco, bajo el signo de Afrodita, tal y como ella admitió en su autobiografía: “Nací en la orilla del mar. Mi primera idea de movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas”.
Su padre era un banquero que hacía y deshacía fortunas teniendo problemas con la justicia. Su madre que daba clases de piano para ayudar a mantener el hogar, se separó de su esposo por tener otra mujer. El divorcio de sus padres fue el hecho que marcó indudablemente la vida de Isadora. Desde corta edad además de anunciar a su familia que quería ser revolucionaria y bailarina, sintió la ausencia de su progenitor, dolor que intentaba mitigar envolviéndose con las enseñanzas maternas. Su madre educó a Isadora en el arte de la Antigua Grecia, que luego serían motivo de inspiración en sus danzas. La ilustró en poesía, en música contemporánea a la vez que le transmitía teorías sobre la feminidad.

A los 10 años Isadora decidió dejar la escuela ya que allí “no podía aprender nada de lo que quería saber”. La Sra. Duncan cumpliendo sus deseos la llevó a estudiar a un maestro de ballet de la localidad, pero Isadora se negaba asistir a sus clases ya que decía que “era feo y contra la naturaleza”. Ella concebía la danza como algo armonioso entre los seres y la vida, por lo que la danza debía de transmitir amor a la naturaleza y a la vida. El ballet clásico era todo lo contrario; “un entrenamiento que separa la mente de los movimientos gimnásticos del cuerpo. Las teorías que yo he fundado pretenden que la mente y el espíritu sean los motores del cuerpo y lo eleven sin esfuerzo para danzar tomando como modelo los movimientos del mar, de las nubes, de las hojas de los árboles,...”
Su educación se forjó escuchando a Beethoven, Schumann o Mozart y leyendo literatura y filosofía desarrolló su propia teoría sobre la danza, alejándose de lo clásico y oponiéndose a las técnicas de enseñanza tradicional.

A los 17 años, en Nueva York, el dramaturgo Augustin Daly, le abrió las puertas para presentarse en varios escenarios teniendo éxitos que le llevaron a los grandes teatros europeos, recorriendo Francia, Italia y Grecia. También obtuvo críticas por bailar descalza, con una túnica, sin maquillaje y con el pelo ligeramente enroscado que se soltaba cuando el ritmo se hacía violento. Sin embargo su arte original que buscaba la expresión divina del espíritu humano por medio del movimiento del cuerpo tuvo más fuerza.
Isadora difundió su danza por el mundo creando escuelas en Francia, Alemania y Rusia, teniendo como alumnas a bailarinas contemporáneas como Marta Graham y Mery Wigman. En el plano sentimental a pesar de atraer con sus danzas a intelectuales, pintores, poetas y admiradores que la cortejaban, los alejaba con sus palabras. Atea y practicante del amor libre, se negaba a depender de ninguna persona. En sus relaciones con diferentes hombres tuvo dos hijos, que murieron ahogados al caer a las aguas el río Sena, cuando daban un paseo en coche con su institutriz, siendo un duro golpe para la bailarina que abandonó su carrera temporalmente.

Luchando contra su dolor se refugió en la educación de la danza a los niños y llevando sus enseñanzas a otros países llegó a Moscú donde, rompiendo con su palabra de nunca contraer matrimonio, se casó con el poeta ruso Sergei Esenin, que acabaría por divorciarse de él por su problema con el alcohol.Después de la separación se cobijó en Niza y terminó de escribir su autobiografía titulada Mi vida. Y en uno de esos días del año 1927, durante su estancia allí, decidió dar un paseo en su Bugatti, en el que murió estrangulada por el chal rojo que se enredó en los radios de las ruedas.

PERSONAJES CON HISTORIA

LA ARGENTINITA

Remitiéndonos al año 1890 llegaba al mundo una de las figuras del baile español más importantes de la historia. Antonia Mercé y Luque fue conocida como La Argentinita por su lugar de nacimiento (Buenos Aires). Discípula de sus padres, profesores y primeros bailarines del Teatro Real de Madrid, residió en la tierra de sus progenitores, España, desde los seis años.



A la temprana edad de 14 años comenzaba su carrera artística en el Teatro Romea de Madrid pasando por los salones de variedades más conocidos de España. Abandonando el país, con 21 años, se traslada a París al ser contratada por el teatro de variedades Le Jardín, donde interpretó bailes andaluces acompañados con castañuelas. Así inició su cosecha de éxitos internacionales recorriendo Alemania, Bélgica, Gran Bretaña y Rusia, mostrando sus coreografías sobre obras musicales de Albéniz y Falla.



Huyendo de la guerra mundial que le sorprende en Rusia, regresa a Francia donde se une a un conjunto español llamado El Embrujo de Sevilla. Después, comienza una gira por América presentando una docena de piezas españolas como Goyescas de Granados, consiguiendo ser una figura popular. Volviendo a España con el objetivo de montar El amor brujo de Falla y siguiendo los consejos del compositor, viaja a Granada para conocer de cerca los bailes de los gitanos del Sacromonte en los que se basó para interpretar La danza del fuego.





SUEÑOS CUMPLIDOS



Continuando las representaciones de las obras de Granados, Albéniz y Falla se muestra en la parisina Sala Gaveau y tras una intensa gira por todo el mundo vuelve a Francia para presentar en la Opera Comique de París la primera Compañía de Baile Español volviendo a realizar una gira por los distintos continentes. Tras esta gira mundial La Argentinita se consagra en el primer recital que ofrece en la Opera de Paris, incluyendo en su repertorio estilos flamencos, como el tango o las alegrías.
Después de varios años de intenso trabajo, la `reina de las castañuelas´ denominada así por los críticos de danza, debido a su grado de expresión con los palillos, cumplió el deseo de perfeccionar El amor brujo. Requiriendo a bailaores como Vicente Escudero o Miguel Molina consiguió el contraste de personajes bailando junto a Pastora Imperio, reestructurando la obra con escenas de movimientos violentos y mucho colorido.



Era el año 1936, una vez terminado el nuevo enfoque de su obra, fue cuando La Argentinita de vuelta a su casa de Bayona tras presenciar un recital de danzas vascas en su honor, murió repentinamente de un infarto de miocardio.Así, terminó la vida de una bailaora a la que el mundo entero le reconoció su aportación a la danza por haber recorrido los cinco continentes en varias ocasiones. El Gobierno de la Segunda República de Manuel Azaña en 1931, le otorgó la primera condecoración de ese gobierno. Igualmente, Francia le concedió la Orden de la Legión de Honor, creándose en el país la Asociación de Amigos de La Argentinita y una exposición de sus trajes y objetos en el Museo de la Ópera de París. Siempre mostrando la raíz popular del folclore español y los bailes más antiguos, dejó un legado artístico que bailarines como Mariemma se han sentido obligados a transmitir la cultura dancística de la primera mujer intelectual de la danza.

PERSONAJES CON HISTORIA.

LOS PRIMEROS LIBROS Y MAESTROS


La danza ha estado presente desde los inicios del ser humano y ha ido evolucionando según las necesidades del mismo. Los primeros bailarines que atribuyeron reglas precisas a los movimientos fueron los maestros de baile. Figuras que surgieron durante el renacimiento italiano creando y enseñando danzas para grandes ocasiones como bodas o victorias militares.



Fueron hombres que desarrollaron el baile cortesano italiano e hicieron grandes aportaciones a la danza. A Domenico de Ferrara se le atribuye el primer libro de baile Arte de danzar y conducir a los conjuntos de danza(1416) a Giovanni Ambrosio el primer texto donde se define la danza clásica como “natural perfección” del cuerpo humano y Antonio Comazzano considerado autor del primer tratado académico de la materia.



Pero sin duda quién revolucionó las bases de la danza, seguido por numerosos discípulos fue el coreógrafo y bailarín Cesare Negri. En su tratado autobiográfico Grazie d´Amore, donde se establecen las pautas de la danza académica, presenta en tres partes las generalidades de la danza, 55 reglas técnicas y descripciones coreográficas. A partir de su trabajo las nociones del ballet clásico como los “pies hacia fuera”, “piernas y rodillas estiradas” o “separar los codos para girar con más gracia” se extendieron.





LA DANZA EMPIEZA A DEFINIRSE



Avanzando al Barroco en Francia en el s. XVII surge la Real Academia de la Danza creada por profesores y bailarines con el afán de rehabilitar este arte. Uno de ellos fue Pierre Beauchamps (1631-1715) quién puso los nombres a los pasos de ballet en francés tal y como se conocen hoy en día y desarrolló el uso imprescindible del `en dehors´(hacia fuera). Definió las cinco posiciones de los pies afirmando que de ellas surgen los demás pasos. Y así mismo admitió que “a cada posición de pies, corresponde una del cuerpo, de la cabeza y de los brazos; ninguna parte del cuerpo debe bailar por separado, sino que debe hacer una integración de todos los movimientos”



Jean Baptista Lully, otro fundador de la academia, aportó más como compositor y músico, que como bailarín y coreógrafo. Lully contribuyó a que se diera importancia a la orquesta en el ballet dándole la relevancia musical que se merecía, que hasta el momento pasaba desapercibida.Por último, el tercer fundador de la academia,Louis Pécour, inventó el paso expresivo marcando en la danza su poder de transmisión de los estados de ánimos.



Hasta el momento sólo se ha hablado de hombres que empiezan a regular el baile, ya que la danza se entendía como un arte masculino. Sin embargo, con la ilustración en el siglo XVIII, de forma paralela se conocen los primeros bailarines famosos como Michel Blondy o Claude Ballon y surgen las figuras de la mujeres. Entre ellas se recuerdan Lafonteine, Marie-Théresé Subligny o Marie-Anne Camargo. Esta última se reconoce como la primera mujer que alcanza la técnica que hasta ahora sólo dominaban los hombres. Y, poniendo su granito de arena a la evolución del baile, usó todo tipo de saltos (entrechat, cabriole, jette battu...) y como novedad, acortó sus faldas para que pudiera apreciarse mejor su técnica.



A pesar de todos estos personajes que alteraron la visión de la danza, el gran reformador fue el francés Jean Georges Noverre quién sostenía que los ballets debían contar con un buen argumento y una música compuesta para él, poniendo además de relieve las posibilidades dramáticas del ballet. Noverre escribió uno de los libros más innovadores de la historia Cartas sobre la Danza y los ballets, donde se recogían sus teorías del ballet d´action. En el ballet d´action el tema era expresado por la danza y la mímica sin la ayuda de ninguna explicación cantada o hablada. Noverre admitió que la danza debía ser expresiva y que la técnica sería eliminada cuando fuera un impedimento para expresar. Por ello suprimió las máscaras, las pelucas, zapatos de tacón y caderas postizas (miriñaques) exigiendo “acción y movimiento en escena” y “alma y expresión en la danza”.

LA DANZA CONTEMPORÁNEA EN UN VISTAZO

El arte contemporáneo se distingue por la libertad de expresión, de interpretación de la realidad que nos rodea, es una voz que comunica a través del medio que maneja el creador. Otros la definen más a través de lo que no es que de lo que es.

Las raíces del arte contemporáneo ya nos sobrepasan mas de un siglo, sin embargo siempre ha existido una tendencia innata en el ser creativo a innovar, a organizar o a experimentar.
El arte moderno o contemporáneo no es más que una evolución del ser humano inquieto que busca de manera natural hallando en este campo expresivo una fuente de inspiración y de renovación. Por otro lado es una manera destructiva y caótica que reacciona arrasando y rechazando lo que se ha construido anteriormente. Alejándose de las posiciones y movimientos estilizados del ballet clásico, el arte contemporáneo necesita transformar el pasado para poder transmitir algo nuevo.

La danza contemporánea surge a raíz de una crisis social en un momento donde los valores humanos comienzan a cambiar de una manera casi radical para el individuo. Se empieza a indagar en el alma humana a la vez que profundizando en territorios como la belleza y la poesía de manera más personal e íntima.

El proceso de maduración e investigación sigue presente, a pesar de que el momento de explosión creativa junto a otras especialidades del ser humano se haya sucedido en el siglo xx, aún se sigue avanzando. Pero lo que lo hace nuevo son los conceptos, reflexiones e ideas y sentimientos.

Sin embargo para comprender el arte contemporáneo hace falta observar más que ver. Detenerse y poner atención tanto para los que se adentran en esta especialidad o se aproximan a ella desde la butaca u otro lugar. Se necesita comprender el concepto y considerar ciertos valores y procedimientos tanto a la hora de contemplar como a la hora de estudiar esta danza.Los valores, como las reflexiones e investigaciones son demasiado extensos, diría yo casi infinitos. Así la danza contemporánea sigue haciendo su labor básica de buscar las formas de reacción ante los sentimientos, ideas,...El lenguaje es la expresión del trazo en el espacio, donde nuestro cuerpo actúa como pinceles proyectando líneas de color sobre un lienzo. Se basa en la necesidad de comunicar, por lo que las distintas etapas del emisor se corresponderán a un manera diferente de enfocar el movimiento. Aún así, por la cantidad de matices que tiene esta danza resulta que quien no mira bien encuentra que este arte es tan libre que no precisa de métodos o estructuras propios.
Resulta también que por la falta de información y poca curiosidad, recaen en él juicios injustos y frívolos de parte de quiénes no saben ver. Otros prejuicios encasillan a los bailarines que no tienen especificas condiciones corporales de los cánones de belleza clásica, dentro de la danza contemporánea y eso no es verdad. Es una pena que se piense que esta danza reúne a los que no tienen las condiciones necesarias para bailar otro estilo de danza tradicional y más asequible al mercado.

Esta actividad no solo requiere bailarines ejecutores de una técnica con una sensibilidad abierta al movimiento, sino de personas con un gran coraje y valentía para enfrentarse a ser quienes realmente son sin pretender ser otros.

Y si alguien se siente perdido en esta disciplina debe confiar en el camino elegido, y aunque nos podemos equivocar, uno no puede confundirse cuando el sendero llega a encontrarse con uno mismo. La danza contemporánea invita a saber que sucede en nuestro interior y alrededor. Es aconsejable pararse a observar la danza.
J. ANTONIO SAORÍN

ACTUALIDAD

NO PARAR NI EN VACACIONES

Aprovechando las festividades de Semana Santa, Carmina Ocaña, imparte un curso de Danza Clásica en el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia, del viernes 30 de marzo al 3 de abril.
Carmina Ocaña, formada en la escuela Danesa de Ballet Clásico y titulada con matrícula de Honor y medalla de oro a los 16 años, divide el curso en tres niveles:

- Nivel elemental de 9 a 11 h

- Nivel medio de 11 a 13h
- Nivel superior de 13 a 15 h.

Otra gran figura del baile llega a Torres de Cotillas (Murcia) para impartir clases magistrales de flamenco organizadas por el Excmo. Ayuntamiento de las Torres de Cotillas y la Peña Amigos del Flamenco.
La bailaora y coreógrafa Merche Esmeralda desde el 2 de abril hasta el día 5, del mismo mes, enseñará una coreografía de Taranto y Alegrías a los grupos organizados (de 9. 30 h a 11-Taranto, de 11 a 12.30 h-Alegrías y de 13 a 14. 30 h-Taranto) .Acompañadas de guitarristas y cantaor, las clases tendrán lugar en la Casa de la Juventud de Torres de Cotillas.

DE FESTIVALES

Por tercer año consecutivo el festival Unidanza07: III Jornadas Universitarias de Danza Contemporánea, reunirá en el Centro Párraga a expertos en danza, profesionales y alumnos para compartir las actividades programadas los días 26 y 27 de abril.
A lo largo de Unidanza07 se desarrollarán conferencias, talleres de técnica de danza, de composición y actuaciones a cargo de las compañías de Juan Antonio Saorín, Isabel Lavella y aconcecePolar, además de intervenciones de los alumnos del Conservatorio Profesional de Danza y de la Universidad Católica San Antonio. Para más información entra en la página web http://www.centroparraga.com/.

GADES VUELVE A LOS ESCENARIOS

La compañía Antonio Gades, bajo la dirección artística de Stella Arauzo vuelve a los escenarios con la puesta en marcha de una de sus grandes obras, Carmen. El próximo día 23 de abril a las 20.30 h, en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia, en la sala Narciso Yepes, la agrupación presenta el espectáculo inspirado en la obra de Prosper Merimée.

Al igual la compañía Antonio Gades, proyecto más importante que ha puesto en marcha la fundación que lleva el nombre del maestro alicantino, representará en el Teatro Principal de Alicante, el día 15 de mayo a las 20.30 h y el día 16 a las 21.00 h, Bodas de Sangre y Suite de Flamenco. Los interesados podrán reservar sus entradas en la página web del teatro http://www.teatroprincipalicante.com/

BAILARINES PARA EL NACIONAL

El Taller Estudio del Ballet Nacional de España (TEBNE) abre el plazo de presentación de solicitudes para las audiciones de dos plazas de bailarines/as, sindistinción de sexo, entre los 16 y 21 años.

El TEBNE, que se puso en marcha por el Ministerio de Cultura de España, para formar y perfeccionar a jóvenes bailarines/as en las diferentes modalidades del baile español, ofrece un contrato temporal desde el 23 de mayo hasta el 16 de abril del 2008. Los interesados en la audición deberán enviar la solicitud desde el día 30 abril hasta el 7 de mayo, aportando el currículum vitae, fotocopia de DNI o pasaporte y dos fotografías de carnet (INAEM-Ministerio de Cultura-Plaza del Rey 1-6º planta. Registro audiciones BNE-28004). La audición se celebrará el día 16 de mayo a las 10.00 h en la Sede del Ballet Nacional de España (Paseo de la Chopera,4/ Entrada por el nº6.28045.Madrid).

MURCIA SIGUE CRECIENDO

El próximo viernes 18 de mayo a las 21.30 h tendrá lugar el estreno del primer espectáculo del Nuevo Ballet Flamenco de Murcia. Bajo la dirección de Lola Sornichero, el ballet se presenta en el Pabellón de deportes Entrevías de Alcantarilla.

La representación constará de dos partes. En la primera de ellas llamada Cielos rojos se realizarán coreografías con la música de Omar Faruk. Y en Elementos, segunda parte y principal, el ballet se basará en la guitarra de Vicente Amigo, en su homenaje a Rafael Alberti.
La entrada será libre para todo aquel que quiera acercarse a ver el nacimiento de este nuevo proyecto donde se fusiona el flamenco, la poesía y la música árabe.

ESTUVIMOS ALLI....

El Teatro Romea celebró la Cumbre Flamenca de la Cam. Nosotros...ESTUVIMOS ALLÍ

PAGÉS, SÍMBOLO DE INNOVACIÓN

Faltaban diez minutos para que el reloj marcara las nueve y todavía la gente se aglutinaba en las taquillas. Los que ya tenían su pase al espectáculo iban entrando con ansiedad por la puerta principal del Teatro Romea. Al cabo de unos momentos, el patio de butacas, los palcos y los `gallineros´ se llenaron de miradas inquietas al escenario.

Con la puntualidad de todo buen espectáculo, a las nueve se apagaron las luces, silenciando a los presentes con acordes de guitarra. Abriéndose el telón aparecían los bailaores generando percusión con sus limpios pies, golpeando cajones y palmeando contratiempos. Daba comienzo Canciones antes de una guerra.
A lo largo de toda una hora y media, se iban dando distintos decorados para representar todo aquello que puede olvidar una contienda bélica. Un blues o canciones como si de un cabaret se tratase, interpretaban los bailarines que acompañan a Maria Pagés. Y aunque las canciones no suenen a flamenco, está coreógrafa imprime su sello dejando marcado su estilo.

Toda la alegría que ensimismaba a los espectadores se convirtió en luces tenues y música relajada. Maria Pagés comenzaba a interpretar las Nanas de la Cebolla de Miguel Hernández. Con una atención insólita al cuerpo, Pagés se sumergía en su característico baile flamenco, impregnado del mundo contemporáneo. Ya se podía vislumbrar sus largos brazos acariciando cada nota, como si no se quisiera deshacer de ninguno de sus movimientos.

En la segunda parte, se va sintiendo más el flamenco. La voz la prestan un hombre y una mujer, con desgarros muy peculiares, acompañados de palmas, guitarras y risas que envuelven el aire de fiesta. Tras la combinación del elenco y el efecto hipnotizador de Maria Pagés, se va sintiendo el final utilizando la fusión de manera más acentuada, para decir adiós. Con todos en escena, con un mapamundi como fondo, sonando la canción de Imagine de John Lenon, acompañada de una voz femenina limpia y rota, se presentan asimetrías giros y los últimos repiqueteos.

RETROCEDIENDO EN EL TIEMPO

Recurriendo a la época de los cafés cantantes, mostrando el cuadro flamenco de los bailaores, cantaores y guitarristas se presenta De Tablao, lo último del coreógrafo y bailarín Antonio El pipa. Homenajeando a los artistas de los tablaos, bajo un prisma contemporáneo, pero siguiendo la antigua usanza, Antonio El pipa combina su baile, con el elenco de bailaoras y con el de dos veteranas que lo acompañan. Las experimentadas Concha Vargas, con su danza curtida, y Juana la del Pipa, con su cante, que sacan a relucir el repertorio más arraigado.

Desmenuzando en pequeñas escenas el espectáculo, se muestra el espíritu de esos tablaos a los que rememoran. Así se interpretan rencillas, complicidades y amoríos que entre jaleos y canciones populares, cantadas por el grupo entero con ritmo vivo e incluso a veces sin guitarra, se dejan colar al público en el bolsillo. Recuperando, no sólo el ambiente, sino también la estética de la época se sucede todo un repertorio casi dominante de palos alegres como alegrías, tangos o bulerías que se interpretan con los enseres tradicionales. Mantones, lunares, peinetas, castañuelas, abanicos, la capa española y las batas de cola se rescatan antes de caer en el olvido.

En este espectáculo de baile sencillo y directo, pero de gran calidad artística, los bailes individuales se intercalan con los del elenco de bailaoras que cortejan a Antonio El pipa. Éste bailaor que habla a través de cada movimiento, esta vez plasma su forma de entender el flamenco desde su vertiente de director, coreógrafo y bailarín.

JÓVENES CREADORES

“El flamenco es mucho más que el cantaor, el guitarrista y la bailaora”

En Alcantarilla nace un ballet que muestra el flamenco desde su vertiente arraigada hasta su parte más lírica

Lola Sornichero, con 28 años es una de las mujeres que luchan por integrar el baile flamenco en la sociedad y acabar con los tópicos que lo envuelven. Con una academia propia, es la directora del Nuevo Ballet Flamenco de Murcia, que debutará con la obra Elementos el próximo 18 de mayo en Pabellón de deportes Entrevías en Alcantarilla.

En Movimiento -¿A qué edad empezó a bailar?

Lola Sornichero.-A los tres años. Empecé en una academia particular en Alcantarilla hasta los doce años. A esa edad hice una prueba para entrar en el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia y entre directamente a segundo. Entonces eran sólo siete años de especialidad. Terminé la carrera a los 18 años.

EM - Bailó en el Ballet Español de Murcia que dirige Carmen y Matilde Rubio ¿verdad?

LS - Sí, fue antes de terminar el Conservatorio. Cuando estaba en cuarto curso estuve ensayando en el ballet de Puri López hasta que por motivos personales lo tuve que dejar. Después de un tiempo, Matilde Rubio me dijo si quería entrar en su ballet. Por entonces ya estaba en quinto y pertenecí al Ballet Español de Murcia hasta séptimo.

EM - El tiempo que formó parte del ballet ¿aprendió cosas que en una academia o conservatorio no se pueden senseñar?

LS - Bueno,las compañías lo que te dan son tablas. En mi caso la coreógrafa era la misma profesora del conservatorio. Eso hace quedarte limitada. Para aprender más yo me iba a Sevilla todos los veranos a tomar clases de flamenco con Antonio Márquez, Antonio Canales,...

EM - ¿Qué fue lo que le impulsó a abrir por cuenta propia una academia?

LS - Siempre quería bailar primero, porque de enseñar siempre estas a tiempo. Y cuando tuve que mantenerme yo, ya que el ballet no me daba para vivir, me lo planteé en serio. Empecé en un colegio dando clases, en un gimnasio, en centros culturales,... Y para quitarme la espina en el momento ideal, ya madura, preparada y dispuesta a afrontar la situación, monté la academia.

EM - ¿Qué es lo que intenta transmitir a sus alumnas?

LS - Mis alumnas, antes que bailarinas tienen que ser personas. Si no es así no podrán trasmitir al público lo que es el flamenco, lo que es la danza en general.

“ El ballet impactará en los espectadores. Hacemos algo nunca visto

EM - Otro de sus mayores proyectos es el de realizar esta compañía,...

L S - Si, mi primer sueño era mi academia y luego tener mi propia compañía. Como conozco lo bueno y lo malo que tienen las compañías, intento que en la mía haya buen rollo y que todo se consulte entre todas las que somos.

EM - ¿Por qué eligió el disco Poeta, de Vicente Amigo, en homenaje a Rafael Alberti, le sugería algo especial?

LS - Totalmente. Lo primero por que tengo pasión por el mar. Y lo segundo por vincularse la danza, la poesía y la música.

EM - ¿Su ballet se centra sólo en el flamenco?

LS - Si, es un ballet y una obra flamenca. Lo que pasa que la gente nos encierra en el guitarrista, el cantaor y la bailaora, y el flamenco es mucho más amplio que todo eso. Cuando se estrene le gente comprobará que no tiene nada que ver. Va a impactar la fusión de la música respecto con el cante a palo seco y con el baile. Se muestran muchos tipos de baile diferente: el flamenco muy arraigado, las batas de cola mostrando la elegancia del paseo por el escenario,..Luego una parte más lírica centrada en los brazos, giros y movimiento. Y eso la gente no lo ha visto nunca.

CURIOSIDADES, TRUCOS E IDEAS

Si deseas contarnos tus trucos o curiosidades que despierten interés no dudes en ponerte en contacto con nosotros.Entra en nuetra web www.revistaenmovimiento.blogspot.com

SABIAS QUE...?

En 1982 el Comité Internacional de la Danza del ITI-UNESCO fundó el día Internacional de la Danza.
Su celebración se realiza el 29 de abril de cada año, fecha en que se conmemora el cumpleaños de Jean Georges Noverre.Éste bailarín nació en 1727 y fue un gran reformador de la danza.
Noverre aportó una de las obras, aún vigentes, que analiza el carácter de la danza y del ballet: Las Cartas de la danza y el Ballet.

Unos pies sanos

Los pies de las bailarinas, sobretodo las de clásico, sufren mucho. Éstos soportan todo el peso del cuerpo sobre las puntas y si no se les presta la atención suficiente puede que se den problemas más graves que un simple dolor de pies.Por eso te presentamos algunos consejos para mantener tus pies sanos. Para desahogar los pies del cansancio diario es aconsejable:

- Bañarlos cada noche en agua tibia y sal. Y en el caso de que estén muy hinchados sustituir la sal por melisa. Minutos después masajearlos con crema calmante e hidratante y ponerlos en alto.

- Siempre que sea posible caminar descalzos y si se tiene la oportunidad hacerlo por la arena, el agua o césped. Se notará la sensación de bienestar tras el agradable paseo. También se debe usar calzado cómodo Otra forma de relajar los pies y estimular la circulación es hacer rodar una pelota de tenis sobre la planta. Actúa como un masaje estimulante.

Un moño bonito

Todas las bailaoras de flamenco saben de la importancia de cuidar la indumentaria y la presencia, sobretodo en los escenarios. A cada detalle se le debe prestar la máxima atención pero a veces la genética juega en contra.

En Movimiento, te propone una idea para luchar contra los moños sosos y pobres. Para aquellas que tengan poco pelo la solución esta en rellenar el moño con lana o con varios pares de calcetines ejecutivos, siempre escogiendo el color más parecido al pelo. Tanto la lana como los calcetines se deben de envolver por una redecilla y de forma compacta introducirlos debajo del moño para darle volumen. Así podrás tener un moño a medida.